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La Gran Depresión provocó una melancolía tan asfixiante, que tenía sentido que la gente gastase el dinero que no tenía para salir a escuchar buena música jazz y olvidar sus problemas (sigue de El bailarín original de la era swing (1): Bailar sin tomar clases) Para los modosos adolescentes de Estados Unidos, la llegada de la música swing provocó emociones que contrastaban con la música aburrida y edulcorada que escuchaban sus padres, y todos sabemos lo importante que es la música para la cultura adolescente.1 La música swing, y el ritmo swing en sí, se caracterizan por la, paradójicamente, relajada pero estimulante liberación de energía. Un bailarín de swing original seguramente liberaba gran parte de su energía reprimida física, emocional y social, en una noche de baile. El primer swing out fue una locura. Era el sálvese quien pueda. El fuerte grito de los bailarines significaba que había comenzado. Hacían ruidos similares a los de las artes marciales, sonidos que liberaban la energía reprimida. Norma Miller, describiendo la primera noche de semifinales del Harvest Moon Ball en el Savoy. Pensémoslo: una persona moderna puede hacer un millón de cosas para entretenerse física y emocionalmente. En la década de 1930, y durante la Gran Depresión, incluso una persona que vivía en la ciudad tenía opciones mucho más limitadas. Para la mayoría de los estadounidenses promedio, ver películas, bailar o beber en un bar eran las principales motivaciones para salir de casa (lo cual, pensándolo bien, no les diferenciaba de varios de mis amigos). Pero, solamente yendo a bailar, un adolescente podía socializar y conocer a otras personas. Aparte de la cafetería, era el lugar donde se reunían los adolescentes antes de la era de las salas de juegos, los centros comerciales, los conciertos y las orgías de cocaína. E incluso las cafeterías tenían música y baile. Tampoco es sorprendente porque, como todos sabemos, bailar swing es muy divertido. Tomemos a un adolescente de California, o incluso a una persona que viviera cerca del Savoy, como un joven Frankie Manning o Norma Miller. Esa persona podía bailar casi todas las noches de la semana, con increíbles bandas en vivo cuyo único propósito era tocar para los bailarines. (Un arte mucho más complicado de lo que piensas que se ha perdido, a excepción de algunas bandas modernas. Ver Cómo tocar swing para bailarines de Lindy Hop).2 De todos modos, ese adolescente que podía bailar cinco noches a la semana, probablemente estaba interesado en ganar aceptación entre sus compañeros y en tener citas con miembros del sexo opuesto, como la mayoría de los adolescentes. Esto significa que buena parte de su energía de baile se gastaba en impresionar a su pareja o en competir contra sus rivales (amistosos o no amistosos). O tomemos como ejemplo a Frankie y Norma, que tuvieron que superar constantemente a bailarines como «Shorty» Snowden para obtener reconocimiento. Lo mires como lo mires, exhibirse, demostrar lo que podían hacer, era parte del espíritu de los jitterbugs originales.3 ¿Puedes nombrar cualquier otro baile en pareja donde sea una práctica común que la gente de repente comience a aplaudir alrededor de una pareja y luego otras se turnen para exhibir su baile? El hecho de que las Jam formaran parte del baile jazz ilustra maravillosamente este espíritu. Y no creo que sea algo malo. A muchos de los que crecimos en los 90, nos enseñaron, a menudo de manera inconsciente, que ser una persona competitiva es, en esencia, algo malo; que centrarse en superar a otra persona te hace menos bondadoso que simplemente esforzarte al máximo y disfrutar de lo que estás haciendo. Los viejos bailarines, si es que pensaban en ello, no creían que las dos ideas fueran contradictorias. Disfrutaban de lo que estaban haciendo, incluyendo intentar superar a sus amigos y rivales. norma miller y billy ricker Es fácil llegar a esta conclusión al hablar con los veteranos, o al leer el Libro de Norma Miller, la Sección sobre el Savoy en el libro Jazz Dance de Marshall Stearns o la autobiografía de Frankie Manning. Hay formas de rivalidad que, si se fomentan de manera sana, pueden estimular el desarrollo de un baile increíblemente creativo.4 Es preciso aclarar que "exhibirse" tiene en la actualidad una connotación negativa, y aunque sea cierto que en muchos casos entra en juego la vanidad, no creo que sea un elemento obligatorio. Es preferible verlo más bien como un término neutral que significa "demostrar tus habilidades", y además hay diferentes formas de exhibirse. Por supuesto, la comunidad moderna de baile, especialmente la mayoría de gente que compite, no parece tener muchos problemas con querer exhibirse. Pero existen algunos problemas con la forma en que muchos bailarines modernos eligen exhibirse. Por ejemplo, muchos competidores tienden a exhibirse con una actitud de "Esto es lo que puedo hacer ¿puedes hacerlo?" Mientras que una forma más difícil y más artística de exhibirse sería "Esto es lo que soy, ¿quién eres tú?” Eso es lo que veo cuando observo a Al y Leon bailar juntos. https://youtu.be/1TeAg4ZBAso Por supuesto, no se debe esperar que un competidor aspirante de swing moderno haya alcanzado el nivel de autoexpresión de veteranos como Al y Leon. Pero eso es algo de lo que hablaremos más adelante. Código caballeresco Me gustaría presentar una teoría que quizás juegue un papel importante en la forma en que muchos de los bailarines originales se exhibían. A pesar de que la mayoría de los líderes veteranos son hoy "viejos verdes", capaces de un comentario sexista / racista / anti-comunista / pornográfico tras dos chupitos de whiskey, casi todos crecieron con una idea de la caballerosidad diferente a la que tenemos hoy en día. Esto se debe en parte a que estaban mucho más cerca de la era victoriana que nosotros. Pero probablemente también se deba al hecho de que la caballerosidad, para un adolescente, era una manera de impresionar a las mujeres, una forma anticuada de hacerse notar. Y creo que esta caballerosidad se extendió a su baile: para los veteranos, era muy importante ser una buena persona. Esto no solo significaba que podías bailar bien y liderar pasos complicados, como suele ocurrir hoy. Si fueras ese joven del que estamos hablando, prestarías atención a tu pareja, la protegerías de patadas y pisotones, y serías atento al realizar movimientos complicados. (Por ejemplo, Frankie Manning siempre enseñó, "Inclínate ante tu reina"). Al hacer esto, también exhibías a tu pareja a todos los demás en la pista de baile.5 Como evidencia adicional de esta caballerosidad, contaré esta anécdota: a Sylvia Sykes le gustaba que el bailarín original de Pure Balboa, Dean Raferty, fuera juez en los Jack and Jill de Balboa, porque siempre penalizaba severamente a los leaders que no prestaban atención a sus followers. Algunos de los “súper leaders” de este concurso ni siquiera pasaban a la final. Como prueba del hecho de que esta caballerosidad a menudo tiene doble rasero, a Sylvia tampoco le gustaba mucho que los leaders veteranos juzgasen a las followers, porque tendían a escoger a la chica con las mejores piernas. Además, los veteranos usaban mucha fuerza bruta para mover a sus parejas, y en muchos clips antiguos, se limitan a usar a su follower como un soporte para presumir (como Leon James en la Jam de The Spirit Moves, minuto 22:40): https://youtu.be/5a-SG8ER-zM?t1361 Esta exhibición de gallos demuestra perfectamente mi argumento. Leon James se pavonea y le quita casi todo el protagonismo a la follower. (Aunque ella tiene mucho espacio para bailar y lucir su propio estilo). Pero, lo que es más importante, si miras este clip e imaginas a una pareja moderna promedio haciendo exactamente la misma jam, ¿qué estaría fuera de lugar? Creo que sería raro ver el momento del 22:50 en una jam moderna, cuando la pareja simplemente se miran y se sonríen. Leon James está prestando atención a su pareja, incluso deja sus pavoneos y se relaja un momento para compartir las risas con ella. Competición Ahora que hemos agregado un poco de caballerosidad a la mezcla, veamos a ese joven en la otra parte de su vida de baile: las competiciones. Un bailarín de la era del swing podía participar en concursos todo el tiempo, especialmente si era un bailarín de California. Los bailarines de California que vemos en las películas hacían gran parte de su dinero ganando concursos. Además, tenían acceso a Hollywood y la oportunidad de bailar en muchas películas si eran lo suficientemente buenos. Así que la exhibición y el pavoneo se convirtieron en un arte de entretenimiento. Creo que muchas parejas comenzaron a trabajar juntos más como artistas escénicos que como bailarines sociales, una distinción que es importante realizar. En lo que respecta a los primeros metrajes de Lindy Hop, Balboa y Collegiate Shag, no tenemos casi nada de baile social, y mucho menos baile social con la música real que bailaban. Casi todo el metraje original muestra a alguien que sabe que hay una cámara filmando, lo que, como todos sabemos, afecta la forma en que la gente baila. Pero todavía podemos intentar acercarnos al espíritu de los bailarines de swing originales, aunque no los estemos viendo en su hábitat natural del baile social. Los bailarines de hoy en día son personas diferentes en un mundo diferente, que posiblemente bailan por razones diferentes. Empecé a bailar no solo porque me atraía la luz a la polilla, sino porque me di cuenta de que yo era un chico retraído del mundo del teatro que no tenía idea de cómo hablar con una chica con la que no compartía obra. También hay muchos bailarines que provienen de las matemáticas o las ciencias, que se dan cuenta de que el mundo de los bares y las discotecas son formas innecesariamente incómodas de socializar. Y para casi todos nosotros, es el amor por algo del pasado, algo por lo que experimentamos cierta pasión y nostalgia. Es interesante el hecho de que disfrutamos de un pasatiempo histórico, un pasatiempo que para ellos era popular y contemporáneo. No creo que sea muy importante, solo interesante. Creo que el hecho de que todos, tantos los bailarines clásicos como los modernos, amemos tanto la música, nos une mucho más de lo que nos dividen los diferentes contextos sociohistóricos. La idea de que "pavonearse" formaba parte del espíritu original del bailarín swing puede ser difícil de asimilar para algunas personas modernas. Después de todo, muchos de nosotros, los bailarines modernos, simplemente buscamos pasar un rato divertido, hacer ejercicio y disfrutar de buena música. ¿Hay algo malo con esto? Por supuesto que no. https://youtu.be/7PSps8Z9qaE Incluso creo que esa idea está en el espíritu de la mayoría de las personas que verías en la pista de baile en la década de 1930. Así que quizás debamos concretar que lucirse es un aspecto importante del artista del baile swing, no del bailarín social en general, ya que somos el único lienzo en el que podemos mostrar nuestro arte. Si nos fijamos en la mayoría de competidores avanzados de baile swing en la actualidad, parece que compiten por el resultado final, no por los medios para ese resultado. Bailan para ser considerados unos crack, para obtener reconocimiento. Su baile parece decir: "¿Esto hará que la gente me considere extraordinario?" en lugar de decir algo como "Esto es lo que soy" o "Realmente me encanta esta canción" o incluso "Mira este movimiento que me emociona tanto", que es, como mencionamos, un componente importante de la forma en que se exhibían los clásicos.6 Quizás un condicionante clave sea que un bailarín de swing moderno solo puede exhibirse en las competiciones, con ganadores, reglas y clasificaciones claras. Las jam, sin embargo, eran una forma de lucirse en la que los ganadores y clasificaciones solo estaban en la imaginación de los participantes o de los espectadores. Se podría argumentar que la diferencia es pequeña, pero creo que es importante. Las jam, sin reglas claras de clasificación, fomentaban la demostración de individualidad de un bailarín. Y, por supuesto, bailar con frecuencia en las jam ayudaba a que los bailarines originales fueran muy buenos haciendo alardes. Una de mis parejas de baile tenía un círculo de jam todas las semanas. Para prepararse, aprenderían nuevos pasos cada semana, e imagino que muchos de los primeros bailarines de swing haciendo lo mismo: practicaban para poder lucirse cuando llegara la ocasión. Los círculos jam espontáneos no suceden con frecuencia en nuestros tiempos. Hicieron un breve renacimiento durante unos años en ciertas ciudades y eventos, pero solo puedo recordar tres o cuatro que vi el año pasado, y casi todos fueron eventos de fin de semana. Entonces, como en el Club de la Lucha, donde Tyler Durden les da a todos la tarea de salir y comenzar una pelea, me gustaría presionar a todos los lectores para que salgan este mes y comiencen un círculo de jam: Espera a una canción relativamente animada Agarra a dos amigos Rodea a una pareja que lo esté haciendo bien Comienza a aplaudir y a gritar cuando hagan algo inspirador (este simple condicionamiento pavloviano hará que intenten superarse) Asegúrate de que los tres aplaudan hasta el final de la canción. Incluso si una Jam Circle no crece, imagina la emoción de que esa pareja tenga su propio círculo de jam personal. O puede que se asusten. Pero será un comienzo. Ahora, dicho todo esto, aquí hay algo que creo que es muy importante para el baile moderno: no tienes por qué ser increíblemente bueno alardeando o exhibiéndote para ganarte la vida enseñando swing. Aunque lucirse puede aportar un elemento de entretenimiento e inspiración al baile, carece de efecto directo en la enseñanza del baile. Para eso se necesita un buen maestro que comprenda la mecánica del baile y pueda transmitir esas ideas a sus grupos de manera afectiva (y rotar lo suficiente para evitar que la gente se enoje). Creo que mucha gente tiende a creer que ser buen bailarín y buen maestro es lo mismo. A veces viene junto, pero hay artistas increíbles que enseñan muy mal, y hay profesores increíbles que simplemente no bailan lo mejor que pueden frente al público (Ver 10 mitos del Lindy Hop) Si nos damos cuenta de esto, podremos tener lo mejor de ambos mundos: artistas y bailarines que alardean para inspirarnos, maestros para guiarnos. Tercera parte: El bailarín original de la era swing (3): La creatividad surge de las limitaciones Notas El concierto de 1935 de Benny Goodman en el Palomar fue el primer ejemplo del tipo de energía que los adolescentes pondrían más tarde en Elvis y los Beatles. Recientemente hice una entrevista en profundidad con Jonathan Stout donde entra en detalles bastante descriptivos sobre cómo enfoca su banda cuando toca para bailarines. Se podría argumentar que hay un pequeño círculo lógico aquí: teorizo que lucirse es parte del espíritu original de los jitterbugs; basado en la evidencia de lo visto en la mayoría de los clips antiguos y lo he leído en las autobiografías de grandes bailarines: clips que fueron grabados con el propósito de mostrar el baile, y grandes bailarines que se hicieron grandes por su habilidad para presumir. ¿Ves el problema? Podrían haber existido muchos bailarines promedio que nunca presumieron, que no fueron bailarines lo suficientemente especiales como para ser incluidos en un film o en un libro. Entonces, al mirar una pista de baile de la década de 1930, puede que el afán por destacar y pavonearse no fuera parte consubstancial del espíritu de los jitterbugs. Para mí, este problema no es realmente importante. Eso es porque ser un intérprete, entretener a la gente (o a ti mismo), explorar la creatividad y exigir rendimiento físico a tu cuerpo parece coincidir perfectamente con la música swing que se baila. Música swing llena de músicos que exhiben sus solos y bandas que demuestran lo bien que pueden hacerlo. Es en este sentido que creo que forma parte del espíritu de los Jitterbuggers originales. Se podría argumentar que el Pure Balboa es una excepción, lo que menciono más adelante en las notas al pie. Siendo actor, me parece bien que mostrarse forme parte del baile. Hace poco me di cuenta de que debería ser mucho mejor haciéndolo. Si mi yo de doce años me viera, diría "¿Cuál es tu problema? ¿Por qué no estás acaparando toda la atención de la sala?" Creo que una de las razones por las que yo (y otros bailarines) nos cortamos tanto en las competiciones modernas es porque (como se menciona en el artículo) no estamos acostumbrados a que la meta sea superarnos unos a otros. No estamos acostumbrados a permitir que ese impulso y confianza de la competición se apoderen de nosotros en el momento preciso. La presión, que puede ser derrotada por la confianza, se convierte en una fortaleza inexpugnable cuando carecemos de ella. Creo que es una de las razones por las que tantos bailarines SoCal gestionan bien las competiciones: la actitud de superación y la confianza para alardear de sus habilidades, han sido parte importante de su comunidad desde antes de la fiebre del neo-swing. Es como el síndrome de Lennon / McCartney, raro pero muy poderoso. John Lennon y Paul McCartney eran talentosos por derecho propio, pero siempre se inspiraban y rivalizaban mutuamente para escribir mejores y mejores canciones, en un entorno competitivo increíblemente productivo. Para demostrarlo, voy a meter Hey Jude en tu cabeza. Naa-na-na-nananaaaaaaa…. Aquí es donde me gustaría mencionar brevemente el Pure Balboa. El Pure Balboa era un baile de abrazo cerrado que se desarrolló en las pistas de baile abarrotadas. Si la música swing es una explosión relajada de energía, entonces los bailarines de Pure Balboa enfatizan más la parte relajada que la explosión. Fue un baile hecho principalmente por parejas de novios, en una pista de baile abarrotada donde la gente no va a ver muchos pasos llamativos. Querer lucirse se vuelve entonces algo mucho más centrado en la pareja, en lo que sucede por dentro. La creatividad de un bailarín de Pure Balboa se traduce en suavidad, delicadeza, sutileza. Al no tener vídeos de los bailarines originales de Pure Balboa, no puedo decir con certeza si presumir formaba parte de su baile. Pero creo que estaba ahí, formando casi parte de la música. Es culpable en parte el hecho de que las competiciones de Lindy Hop moderno infunden la esperanza de poder conseguir reconocimientos o premios, mientras que, para los bailarines originales, el baile swing era solo un querido pasatiempo. Un bailarín original no ganaría mucho dinero enseñando a bailar, como sucede hoy. Un Jitterbug de la década de 1930 no recibía admiración y reconocimiento más allá de sus compañeros de baile, más allá de ser simplemente un actor de teatro con algún número novedoso. El otro factor es que la gente trata de aprender las “reglas” para ganar competiciones basándose en los que ganan, y comienzan a estructurar su baile para ganar competiciones. Aunque es bueno explorar los elementos de exhibición de los concursos, esta idea de los competidores que modelan su baile para ganarlo todo, puede convertirse en un Frankenstein que impida a los bailarines expresarse con autenticidad. Traducido y adaptado por EstiloSwing. Artículo original de Bobby White.

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